Impressionismo

O que é:  O impressionismo foi um movimento artístico entre o século XIX e XX, este movimento rompeu muitos padrões, levando em consideração que um de seus principais conceitos era representar a natureza como ela era, não como queríamos que ela fosse, por esse motivo, muitos dos artistas impressionistas não simpatizavam com as academias de arte, contra todo tipo de imposição para pintar, tais artistas passaram a retratar o mundo de modo totalmente inovador. Também é considerado o precursor da arte moderna, de certa forma, uma fusão entre os tempos antigos e modernos.

Características Marcantes:

• Vamos usar luz para criar sobra, não sombra para criar luz. Os artistas davam ênfase no uso da luz com diversos tons para ressaltar a claridade, diferente do barroco, que, basicamente, parecia usar tons escuros, o que acabava tornando o quadro um tanto artificial.
• Nada de linhas de contorno: para eles, retratar de modo mais realista o possível era essencial, e, pelo visto, não temos um contorno nítido ao nosso redor, logo, era necessário fazer o bom uso da cor.
• Nem pense em misturar a tinta na paleta: algo interessante sobre os artistas impressionistas é que, eles, em sua grande parte, costumavam utilizar meios diferentes para chegar ao tom que queriam, por exemplo: se fizermos um desenho apenas com pequenos pontos coloridos, um aglomerado de cores sortidas, quando olhados de modo mais amplo, geram outra cor, como os pixels em uma tela de computador.

Casos e acasos dentro do movimento impressionista:

• Vicent Van Gogh, tenho certeza de que já ouviu falar desse nome, suas obras são bem famosas atualmente, não? E se eu lhe dissesse que, enquanto vivo, ele vendeu pouquíssimas obras? Na época, seu estilo de arte não era muito bem visto, mas isso não o impediu de pintar incansavelmente.
• Dentro do movimento, não houve apenas a pintura impressionista, houve também a música e a literatura impressionista.
• Claude Monet, um dos grandes pintores impressionistas, teve catarata no fim da vida, contudo, muitos dizem que sua pintura transformava-se positivamente conforme ele perdia a visão, curioso não?

Mona Lisa - Leonardo Da Vinci

Quem é ela? O quadro também é chamado de La Gioconda, Madonna Lisa di Antonio Maria Gherardini, esposa do rico cidadão florentino Francesco Del Giocondo, este, em 1503, encomendou a Leonardo um retrato de sua esposa. É provável que a obra tenha começado como um retrato, mas logo se tornou a imagem de Leonardo da beleza perfeita.

Então, o que acham de explorar a pintura provavelmente mais famosa do mundo? 

1-Alguém viu as sobrancelhas da Mona?

A explicação mais provável é que Leonardo, para dar um toque realista, pintou as sobrancelhas como um toque final na tinta seca do rosto, contudo, na primeira vez que o quadro foi limpo, o restaurador deve ter usado um solvente impróprio e adeus sobrancelhas(só eu fico pensando na bronca que o restaurador levou?). Moral da história: Tomem cuidado com os solventes que vão utilizar quando forem restaurar um quadro.

2- Qual é o segredo do sorriso de Mona Lisa?

Ok, eu acho que ninguém além do Leonardo Da Vinci tem essa resposta, mas as duas paisagens do fundo tem algo a ver com isso, por falar nelas, você percebeu o quão improvável é esse cenário? O horizonte da paisagem da direita é mais alto, visto de cima, o da esquerda oferece um ponto mais baixo, o lugar onde teriam de se unir está oculto atrás da Gioconda. A paisagem da esquerda atrai o olho esquerdo para baixo, enquanto a paisagem da direita atrai o olho direito para cima, tal jogo visual de atrações opostas se encontra no centro da Mona Lisa e faz nossos olhos "verem" um ligeiro tremor, dando a impressão de estar prestes a irromper num sorriso mais aberto.

3- Como numa conversa casual, sentada de forma relaxada e informal.

A maneira em que Mona Lisa está sentada foi uma das inovações introduzidas pela obra. Em comparação, todos os retratos anteriores pareciam rígidos e artificiais.

4-Como é a casa da Mona Lisa?

Algo que realmente aumentou a popularidade do quadro foi que ele já foi roubado uma vez, após esse incidente, colocaram-na sob a proteção de um vidro a prova de balas, numa distância considerável, podemos dizer que é mais fácil subir a torre da Rapunzel do que tocar na Mona Lisa.

5- A Mona do Leo e a Mona do Rafa.

O artista italiano Rafael Sanzio fez um desenho do quadro após vê-lo. Seu desenho reforça a ideia de que originalmente haviam colunas de ambos os lados do quadro.

6- Estilo sombrio.

A pele da Mona Lisa não está verde por causa de algum enjoo ou qualquer coisa assim ok? Ela só ficou esverdeada por causa de uma limpeza exagerada(esses restauradores desastrados...), mas isso não quer dizer que Leonardo não utilizasse cores escuras, na verdade, ele usava muito mais do que seus contemporâneos.

7- As lindas mãos de La Gioconda.

Um dos muitos triunfos deste quadro. As mãos, inteiramente relaxadas, acentuam a suave majestade da figura representada.

8- Comentários poético...(como buquês ou rosas não atravessam o vidro a prova de balas, vamos declamar poesias)

"Ela é mais velha que os rochedos entre os quais se senta; como um vampiro, ela já morreu muitas vezes e aprendeu os segredos do túmulo." - Walter Pater.

"A janela do corpo humano, através do qual ele espelha o seu caminho e trás para o nosso desfrute a beleza do mundo, pela qual a alma se contenta em ficar na sua prisão humana." - Leonardo Da Vinci.

"Quero morrer de jeans" - Andy Warhol

A primeira coisa a ser dita sobre Andy Warhol: ele transformou o meio artístico. Por que? Simplesmente porque antes da Pop Art, pinturas e quadros eram algo da elite, ele não pintou latinhas de sopa de tomate a toa, ele queria passar uma mensagem.

No seu trabalho, ele transformou figuras famosas em algo impessoal e vazio, figuras de marketing, suas obras não eram feitas do modo manual, havia uma espécie de produção mecânica para produzir seus quadros. Existe um modo mais claro para se referir a produção em massa, o uso da mídia e o consumismo nos EUA?

Além disso nosso querido artista era, além de um excelente designer e diretor de filmes(alguns bem longos...) , ele tinha consigo muitos conselhos e filosofias que podem ser consideradas essenciais até hoje, um exemplo? Ele dizia que se alguma coisa é decepcionante, ele sabia que não era o "nada" pois o "nada" não é decepcionante, é simplesmente o "nada". Isso pode soar confuso, mas é verdadeiro, apesar de muitos o verem como um ícone superficial(ele mesmo se dizia superficial), ele também era inteligente e sabia como alcançar seus objetivos.

Um detalhe extremamente interessante, na minha opinião, é que por suas obras serem impessoais, não é possível olhar para elas e enxergar um reflexo do artista, e sim uma mensagem.

Andy Warhol é, na minha opinião, um artista que mereceu renome, por inovar a arte de modo surreal.

Aqui estão algumas de suas obras:

Campbells Soup Cans

Shots Marilyn

Eight Elvises

Um abraço.

O Nascimento de Vênus - Mitologia e Arte.

O Nascimento de Vênus, de Sandro Boticelli foi um quadro revolucionário por ter sido a primeira pintura com tema exclusivamente mitológico e leigo durante a Renascença. A admiração pela antiguidade clássica, antigas civilizações de Grécia e Roma, era compartilhada por muitos artistas e estudiosos da época. Esta obra nos transporta a um mundo de sonho e poesia.

Vênus é uma das deusas mais importantes da antiguidade, também chamada de Afrodite pelos gregos, a lenda de seu nascimento no mar é trágica. Urano( o céu) e Gaia(a terra) haviam se unido para produzir os primeiros seres humanos, chamados Titãs, porém, um de seus filhos, Cronos/Saturno(O Tempo), castrou seu pai com uma foice, jogando então seus genitais no mar e da espuma que daí resultou nasce Vênus, a deusa do amor, da beleza, do riso e do casamento. 

1. Rosas sagradas de Vênus

De acordo com a mitologia, a rosa foi criada ao mesmo tempo que a deusa, é sua flor sagrada, pois com sua encantadora beleza e fragrância, é o símbolo do amor, contudo, seus espinhos nos lembram que o amor pode ferir.

2. O Vento Oeste

Zéfiro, o Vento Oeste, é brisa suave da primavera que impele Vênus até a praia, no quadro, aparece junto a sua consorte Clóris, uma ninfa que foi raptada por Zéfiro do Jardim das Hespérides, mas este se apaixonou por sua vítima, que aceitou ser sua esposa. Desta forma, a ninfa elevou-se ao nível de deusa e tornou-se Flora, que tinha "perpétuo poder sobre as flores".

3.As ondas do mar.

O artista não faz qualquer esforço para  criar ondas realistas, neste caso, utilizou-as para criar um padrão decorativo, formas estilizadas em V diminuem a medida em que se afastam, mas modificam-se ao pé da concha.

4.A posição de Vênus

A pose da personagem central imita a pose um uma estátua conhecida na Roma antiga e certamente seria reconhecia a referência erudita de Boticelli.

5. Olhar distante

Os rostos pintados por Sandro Boticelli costumam aparentar um olhar distante, como se estivessem recolhidos em seu próprio mundo interior, ou perdidos em pensamentos, como Vênus aparenta estar.

6. A personificação da Primavera

Para receber Vênus, uma das Horas(espíritos que personificam as estações, nesse caso, a Primavera), traz consigo um manto bordado com flores para cobrir da deusa.

7. "Venus Pudica"

Enquanto outros artistas escolhiam retratar Vênus de forma mais sensual, Boticelli a retrata com recato, onde a deusa esconde castamente o corpo com as mãos, mostrando uma outra inovação na obra de Sandro Boticelli.

Fonte: Para entender arte - Robert Cumming - Editora Ática

Pablo Picasso, um pouco sobre esse cara.

Dentro da arte, existem vários estilos, assim como existem aqueles que preferem vestir preto e usar jeans, existem aqueles cuja paixão é uma bela roupa colorida cheia de estampas, o mesmo ocorre na arte, enquanto alguns buscam criar um reflexo exato daquilo que veem, outros buscam retratar à sua maneira, muitos apenas imaginam algo e colocam no papel, mas isso não quer dizer que apenas um estilo vá lhe agradar, é necessário entender o objetivo do artista, alguns querem chocar, outros emocionar, alguns só querem a aprovação.

Hoje, falaremos de Picasso, um dos considerados "Pais do Cubismo", mas como muitos pensam, ele não fez só aquilo, Picasso foi alguém, por parte, sábio, romântico e muitas vezes, emotivo, como demonstra sua fase azul. Embora o Cubismo tenha lhe garantido um destaque extra, ele não ganhou renome apenas por isso.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (pois é), nascido no dia 25 de outubro de 1881, em Málaga na Espanha, filho de  María Picasso y López e José Ruiz Blasco, além de pintor, foi escultor, ceramista, cenógrafo, poeta e dramaturgo . Quando jovem, fazia pinturas realistas e desde cedo demonstrava afinidade com a arte.

Sua primeira obra foi feita aos oito anos, representando uma tourada, ele nunca abandonou este quadro.

Mais tarde, quando viveu entre Madri e Barcelona, estudava obras de grandes artistas e tentava retratá-las, isso mostra seu lado estudioso, contudo, também participou de grupos boêmios mas nunca deixando a arte de lado, mas foi em Paris, na França onde ele passou grande parte de sua vida adulta, se dedicando a arte.

Sua carreira foi dividida em fases, de acordo com a valorização de certas cores, a fase azul (1901-1904), a fase rosa (1904-1906), a fase africana (1907-1909), o cubismo analítico (1909-1912) e o cubismo sintético (1912-1919).

A fase azul correspondeu a um período de tristeza, após a perda de um amigo por suicídio, foi um período de muita dor e tristeza para o artista.

A fase rosa começou cerca de três anos depois de iniciada a fase azul. Nesta fase, Picasso mudava-se para Paris e inaugurava um novo atelier, melhorou sua condição financeira com exposições, iniciou novas relações com escritores e outros artistas, nessa faze, foi comum ele retratar temas como mulheres, cenas eróticas/pornográficas e figuras de circo.

Durante a fase africana, Picasso obteve inspiração na cultura africana, havendo semelhanças entre máscaras africanas e seus retratos.

No cubismo analítico, suas obras continham menos cor, e beiravam ao abstracionismo.

No cubismo sintético, o principal meio era a colagem, inovando sua forma de representação.

Curiosidades:

Picasso era disléxico, isso talvez tenha influência sobre o cubismo.

Esteve na Caverna de Altamira e observando as pinturas nas paredes disse: "Após Altamira, tudo parece decadente".

Um de seus quadros, Guernica, possui uma réplica situada na sede da ONU, para relembrar as consequências causadas por guerras.

Era realmente amado pelas mulheres, apesar de, muitas vezes, ser considerado infiel e, apesar disso, ciumento, possuiu muitas amantes.

Espero que tenham gostado do pequeno resumo sobre Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso.

Arte Pré-Histórica: O Bisão/Bisonte na Caverna de Altamira

Atualmente, a arte é considerada uma forma de expressão. Isso é um fato, não quer dizer que ela precisa necessariamente fazer sentido ou ter algum conceito por trás, mas antes de falar sobre toda a ideia da arte, vamos falar sobre como ela começou...

Com franqueza, as pinturas rupestres lembram desenhos de crianças, porque crianças, pintam o que veem, ou o que querem ver.

 Basicamente, os nossos antepassados faziam a mesma coisa. Imagine-se naquela época, sobrevivendo com base na caça, se éramos brutos, era porque ainda não havíamos encontrado uma forma de facilitar nossa vida, seguindo essa linha de raciocínio já posso explicar o significado da imagem ao lado. De acordo com estudos, o Bisão na Caverna de Altamira(como é chamada nossa querida obra de arte...) não representaria um relato de algo, e sim, uma tentativa de capturá-lo. Veja bem, é uma ideia bem semelhante a boneca vudu, atire uma arma no desenho e o animal também será atingido. Por lógica, isso poderia ser chamado de "sentimento religioso", pois eles tinham a crença nessa ideia.

Situado na Caverna de Altamira, no norte da Espanha, o Bisão do qual estamos falando é apenas um dos vários presentes nesta caverna. No começo, haviam aqueles que desacreditavam a autenticidade das obras, após descobrirem outras cavernas com pinturas que representavam a cultura rupestre, essa ideia foi gradativamente refutada.
A pintura foi feita com pigmentos minerais de óxido de ferro vermelhos, carvão vegetal misturados com água o em seco e o contorno de linhas pretas da figura foi realizado com carvão vegetal. Bom, se você estiver afim de fazer uma pintura em uma caverna que tenha uma duração considerável, já sabe que materiais usar...
Por enquanto é só isso, deixo vocês com nosso querido Bis(abreviei demais?).